Historia Da Dança Educação Fisica

A dança na educação física escolar brasileira

A inclusão da dança no currículo de educação física não é novidade, mas a forma como ela é ensinada ainda carrega muitos dos problemas estruturais que vieram desde a sua introdução formal. A dança como componente curricular passou a ter reconhecimento oficial com a Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional (Lei 9394/96) e, especialmente, com os Parâmetros Curriculares Nacionais (PCNs) de 1997, que colocaram o contexto cultural da dança como eixo central. Antes disso, o que existia nas escolas eram aulas de ginástica e coreografias prontas, geralmente copiadas de revistas ou filminhas de vídeo, sem qualquer conexão com a história ou com o corpo dos estudantes. O que a maioria dos professores encontra na prática é que a bibliografia disponível é muito genérica. Livros como Dança e Educação do professor Carlos Henrique da Silva ou Os Saberes Corporais na Escola da Ana Pizzorno ajudam, mas eles tratam a dança de forma ampla e não dão um roteiro do que ensinar, semana a semana, numa escola real com alunos que não têm nenhum referencial cultural sobre o assunto. Eu mesma enfrentei isso quando precisei montar uma sequência didática de dança para um colégio estadual em São Paulo, onde a maioria dos alunos nunca tinha tido contato intencional com formas de dança além do que via nas redes sociais. O resultado foi que as aulas de samba de gafieira e de balé, que eu havia planejado com base em fontes históricas, simplesmente não funcionaram. Os alunos não reconheciam nada daquilo e achavam estranho. A correção que fiz foi substituir o enfoque histórico por um enfoque comparativo: levei vídeos de funk (dance) das periferias de SP, de capoeira, de maracatu, e a partir daí questionei o que cada um daquilo tinha em comum com o balé ou com a dança contemporânea. A história entrou como parte da conversa, não como conteúdo expositivo. Um ponto que poucos mencionam nos manuais é que o corpo dançado nas escolas não é neutro. Alunas negras, por exemplo, frequentemente têm seus corpos racializados nas aulas de dança de forma que a professor(a) nem sempre percebe. Já vi alunas serem sistematicamente dirigidas a estilos de dança considerados mais "elegantes" ou "controle", enquanto alunos negros eram empurrados para ritmos percussivos. Isso não é teoria, é o que acontece em sala quando o professor não tem formação específica em dança e cultura. A solução prática que encontrei foi simplesmente explicitar isso durante as aulas, trazer o debate como parte do currículo e fazer registros anônimos de percepção dos alunos sobre como se sentiam em cada estilo. Depois de dois meses desse exercício, a frequência de retenção em certas atividades mudou consideravelmente.

A dança contemporânea, nesse contexto escolar, é talvez o estilo mais mal compreendido e o mais subutilizado. A crença de que "dança contemporânea é qualquer coisa que não é balé" leva muitos professores a improvisarem atividades sem fundamento. Na prática, o contemporâneo tem uma tradição técnica sólida com nomes como Merce Cunningham, Trisha Brown, Pina Bausch, e esses referenciais podem ser acessíveis aos estudantes se forem apresentados de forma adequada. Eu costumo começar com o conceito de impulso e gravidade, que é algo que todo corpo humano já experimenta, e construir a partir daí. Isso funciona bem porque não exige qualquer preparo prévio e ainda assim ensina algo concreto sobre a técnica. Outro problema real é a infraestrutura. Salas com piso de cerâmica ou concreto, péssima ventilação, e salas de aula superlotadas são a realidade de grande parte das escolas públicas brasileiras. Dançar nesses ambientes não é apenas desconfortável, é perigoso. Joelhos e tornozelos sofrem muito com superfícies duras. A alternativa que recomendo e que funcionou para mim foi usar tapetes de EVA reciclado, que podem ser comprados em distribuidores de pisos escolares por valores entre R$ 8 e R$ 15 o metro quadrado, e montar um "estúdio portátil" que é guardado depois da aula. Não resolve tudo, mas reduz significativamente o risco de lesões. Sobre avaliação, a literatura especializada recomenda a autoavaliação e a avaliação processual, mas na prática isso esbarra em dois obstáculos: a carga horária dos professores e a resistência de Coordenações Pedagógicas que exigem notas numéricas no momento certo. O que costuma funcionar é um portfólio simples, feito em caderno ou digital, onde o aluno registra suas percepções após cada aula de dança, e uma rubrica clara com três níveis de desempenho. A rubrica deve contemplar aspectos como consciência corporal, relacionamento com o parceiro, capacidade de improvisação e compreensão do contexto cultural da dança estudada. Nota numérica só no final do bimestre, baseada no portfólio mais uma apresentação coletiva, e isso elimina a pressão de ter que dar nota a cada aula individualmente.

O repertório musical é outro campo minado. A dança brasileira é imensamente diversa e incluir apenas Forró, Samba e Funk é reduzir demais o que existe. Reggae, maracatu, coco de roda, lundu, modinha, lambaquinha — todos esses têm história e podem ser trabalhados. O problema é que muitas vezes o professor não conhece e não tem acesso a fontes confiáveis. A Biblioteca Digital da Dança do Ministério da Cultura e o acervo do Instituto de Dança da UFRJ são bons pontos de partida gratuitos. Se você está planejando implementar dança no currículo, a primeira coisa a fazer não é montar coreografias. É mapear o que os alunos já sabem e o que já fazem com o corpo fora da escola. A partir daí, a história da dança entra como ferramenta de ampliação de repertório cultural, não como conteúdo memorístico. O restante é ajuste fino de acordo com a realidade da sua escola, e essa parte não tem manual que substitua a experiência prática.